Pour célébrer le Mois de l'histoire des Noirs, nous avons collaboré avec trois artistes noirs pour créer une collection capsule qui sortira le 8 février. Chaque artiste a réinterprété notre logo classique dans son style personnel.

Marcus J. Brutus est un peintre autodidacte originaire du Maryland dont l'œuvre explore les notions de pouvoir à travers le portrait. Ses peintures figuratives examinent avec finesse l'identité afro-américaine et les luttes pour les droits civiques. Brutus, qui a étudié à l'université St. John's dans le Queens et a auparavant travaillé dans les relations publiques, met son talent inné de conteur au service de son art.

Puisant son inspiration dans des sources diverses issues des univers de la mode, du cinéma, de la musique, de la photographie, de l'art et de la politique, il entremêle avec fluidité des références subtiles et explicites au passé et au présent, au réel et à l'imaginaire, pour créer des vignettes qui semblent abolir les époques et les contextes distincts.

Greg Betty , graphiste senior chez Kith qui a collaboré avec les artistes à la création de la collection capsule de vêtements, s'est entretenu avec Marcus Brutus au sujet de son processus créatif, de l'importance de la responsabilité en tant que créatif noir, et bien plus encore.

Photographies de Tayo Kuku

GB : C’est un plaisir de faire cette interview avec vous. J’ai eu l’occasion de passer du temps avec vous à quelques reprises ces derniers mois. Nous avons des groupes d’amis similaires ici à New York et c’est assez incroyable comme le monde est petit. Pouvez-vous nous parler un peu de vous ?

MB : Je suis originaire du Maryland. Mes parents sont nés en Haïti et ont immigré ici à l'adolescence. J'ai grandi dans une banlieue typique de classe moyenne, juste à côté d'une grande ville. Je n'habitais pas très loin de Washington D.C. Ce n'est que vers l'âge de 15 ans que j'ai commencé à remettre en question cette éducation, car tout me paraissait normal. Rien ne m'a particulièrement marqué quand je repense à mon enfance. Je me souviens qu'à cet âge-là, pendant deux semaines, je passais du temps avec mon père. Un week-end, nous avons regardé le film « Malcolm X » de Spike Lee (1992), et la semaine suivante, j'ai vu un film sur Patrice Lamumba.

GB : J'ai regardé Malcolm X au moins cinq fois.

MB : Le simple fait de voir ces deux films a tout changé pour moi et a modifié ma façon de voir les choses. Je considère toujours ce moment comme le tournant qui m’a permis d’en arriver là où je suis aujourd’hui.

GB : J’ai aussi remarqué que vous n’utilisez pas de pseudonyme. Pas de nom de scène, c’est un nom très fort : Marcus Brutus. Était-ce un choix délibéré d’utiliser votre vrai nom ?

MB : Je ne pense pas que ce soit un choix délibéré, mais je n’ai jamais eu de surnom de toute ma vie, ou alors on m’en donne un et je l’ignore complètement. Plus tard, je disais en plaisantant à mes parents : « Vous m’avez vraiment donné un nom catastrophique pour le référencement ! »

GB : J’ai lu que vous avez obtenu une licence en relations publiques à l’université St. John’s et que, peu après, vous êtes devenue peintre autodidacte. Ces deux univers sont radicalement différents. En quoi vos études ont-elles contribué à votre carrière d’artiste ?

MB : Je suis allée à St. John's parce que je voulais vivre à New York. Je souhaitais travailler en étroite collaboration avec des créatifs, car je sentais que je n'y arriverais jamais moi-même. La meilleure solution était donc de travailler dans l'ombre. C'est pourquoi j'ai choisi les relations publiques. Après avoir obtenu mon diplôme, j'ai commencé à travailler pour une agence de RP aujourd'hui disparue, Black Frame. Ils représentaient des artistes et des designers dans la mode, l'architecture et d'autres domaines, ce qui m'intriguait beaucoup. Mais une fois sur place, je n'y ai pas trouvé l'épanouissement escompté. L'université m'a simplement permis de réaliser que la voie académique n'était pas faite pour moi. J'ai toujours dit que j'obtiendrais mon diplôme, mais je n'ai jamais aimé ça. C'était une belle expérience, certes, mais quoi qu'on fasse, il faut s'investir pour exceller, que ce soit dans le cadre d'un cursus universitaire ou en autodidacte. Maintenant, j'utilise les mêmes méthodes de préparation aux examens pour préparer mes créations artistiques, et cela m'a été très utile dans ma carrière de peintre.

GB : J’ai clairement utilisé mes études supérieures comme une discipline, surtout dans mon travail, car je n’ai pas fait d’études d’ingénierie. Je ne sais pas comment c’est arrivé. J’ai simplement suivi mes rêves après trois ans d’études d’ingénieur. J’ai eu une sorte de révélation, et je trouve ça amusant que beaucoup de personnes dans le domaine créatif aient ce même déclic qui les pousse à se lancer à corps perdu. Te souviens-tu du moment précis où tu t’es dit que tu allais devenir artiste à plein temps ?

MB : Au bout d’un an et demi, j’en ai eu assez de travailler dans une agence de relations publiques. J’ai donc commencé à chercher du travail, mais rien ne me tentait vraiment. J’ai creusé un peu plus et je me suis dit que si je ne me lançais pas dans la création, je ne serais jamais épanouie et que je me contenterais de passer d’un emploi à l’autre. Alors je me suis lancée et j’ai fini par quitter New York pour retourner dans le Maryland, où j’ai vécu pendant deux ou trois ans pour me consacrer à mon art. Je ne savais pas où cela me mènerait, mais je voulais foncer.

GB : Je sais que vous venez d’une famille caribéenne, et l’importance de l’éducation nous est inculquée dès le plus jeune âge. Vos parents ont-ils eu des réticences à vous laisser choisir une voie créative plutôt que le parcours scolaire traditionnel, comme celui de médecin ?

MB : Pas vraiment, car j'ai toujours été assez malin dans ma façon d'aborder les choses. C'est pour ça que j'aime citer des livres et des films, des choses qui confortent mon point de vue et ma perspective. Je savais donc que je devais absolument terminer mes études. Une fois que j'y arrive, mes parents sont un peu plus tranquilles. Pendant que je peignais, je travaillais aussi, et ils ont commencé à remarquer que j'y consacrais énormément de temps et d'énergie. Je me souviens qu'après deux ans à travailler d'arrache-pied, je me suis retrouvé dans une impasse et je me suis dit : « Bon sang, ça ne mène nulle part, je devrais peut-être faire un master. Pas en beaux-arts, mais dans un autre domaine. » J'ai postulé discrètement, je n'en avais pas vraiment envie, mais je le faisais quand même. Mes deux parents sont très portés sur les études, alors quand je leur ai annoncé la nouvelle, ils m'ont juste demandé pourquoi. Une fois qu'ils ont compris, je crois que c'est là qu'ils ont commencé à me faire confiance et à me faire confiance quant à ma décision.

GB : Tout dépend de la réponse à la question « Pourquoi ? », car j’ai dû y faire face à plusieurs reprises au début de ma carrière, avant d’en arriver là. Mais vous avez persévéré, et c’est ce qui est remarquable. Depuis, vous avez réalisé trois expositions individuelles chez Harper’s Books. Vous avez participé à plusieurs expositions collectives et vous avez également publié un livre, n’est-ce pas ? Le tout en seulement deux ou trois ans, ce qui est impressionnant. Pouvez-vous nous parler un peu de ces opportunités ?

MB : Tout a commencé par hasard avec Jen Guidi. J’étais chez moi quand sa sœur m’a contactée. Elle aimait mon travail et voulait savoir si j’en vendais. J’ai mis du temps à envisager de vendre mes œuvres, mais quelque chose m’a interpellée. Elle a acheté quelques toiles et les partageait en ligne. Harper l’a appris et l’a contactée pour qu’elle me mette en relation. Je lui ai donc transmis mes coordonnées et nous avons immédiatement commencé à travailler ensemble. C’était en mai, puis il y a eu une exposition collective en juillet. C’est à ce moment-là qu’il m’a proposé une exposition solo à New York en septembre. Les choses se sont enchaînées à partir de là. Travailler avec Harper est formidable ; quelle que soit la direction que je prenne, il me soutient énormément. C’est d’ailleurs lui qui a eu l’idée de publier le livre, donc c’est un travail d’équipe depuis toujours.

GB : Je ne sais plus si je vous ai découvert sur la page Explorer ou sur un forum d'art, mais je me souviens avoir été profondément impressionné par votre travail. Non seulement il est cohérent dans son ton et son ambiance, mais en tant qu'homme noir, il est aussi très parlant. Qu'il s'agisse d'un autoportrait ou d'une scène de l'histoire des Noirs, chaque œuvre semble être un extrait d'un même roman, celui de la vie des Noirs en Amérique. Quand avez-vous trouvé votre style, ou comment ce style vous a-t-il trouvé ?

MB : Je crois que tout a basculé pour moi en 2015. Au départ, quand j’ai commencé à peindre, je ne représentais pas de figures noires et je n’avais pas l’impression que mon travail me parlait vraiment. En y réfléchissant plus profondément, je me suis dit que c’était là que devait se concentrer mon travail, et c’est là que les choses ont commencé à prendre sens. Naturellement, je suis attirée par l’histoire des Noirs à travers le monde, par leurs récits et par leur culture en général. Au-delà de leur apparence physique et intellectuelle. Tout cela m’intéresse et se retrouve naturellement dans chacune de mes créations. C’est une référence constante, car c’est ce que je lis, ce que je regarde dans les documentaires et ce qui m’intéresse dans mes contenus.

GB : J’ai remarqué que vous accordez une grande importance à la couleur. Pourquoi la couleur est-elle si importante pour vous, en particulier lorsque vous représentez des personnes noires ?

MB : Au départ, j'ai utilisé des jaunes, des verts et des oranges vifs. Ces couleurs donnaient une impression très contemporaine. Comme lorsqu'on passe devant des panneaux de signalisation ou des chantiers : les gilets, les cônes, etc. Tout ce qui se répète et s'immisce dans le quotidien. Cela donnait une impression d'instant présent, et c'est ce dynamisme dans l'œuvre qui m'a poussée à essayer d'autres couleurs fluorescentes. Je me sentais libre d'aborder n'importe quelle histoire ou sujet, car il y a un élément visuel à exploiter, et puis il y a le message qui y est intégré. J'ai une peinture qui fait référence à l'Equal Landing, où il y a eu un suicide collectif d'esclaves, mais on y voit une femme en maillot de bain qui laisse apparaître un arc-en-ciel. J'ai écrit « Héritage d'Ibo Landing » sur la peinture, ce qui ouvre la voie à des références ultérieures. Mais lorsqu'on regarde la peinture, si on n'a aucune référence pour comprendre de quoi je parle, on admire simplement une belle œuvre. Comme pour « That Thing » de Lauryn Hill, je me souviens, plus jeune, de me dire : « C'est une chanson cool, mais quel est le message derrière ? Qu'est-ce que "That Thing" ? » C'est quelque chose comme ça : il faut que ce soit attrayant, et ensuite ça donne plus de vie à l'œuvre, permettant de raconter une histoire et de transmettre un message.

GB : J’aime beaucoup. J’aimerais parler un instant de votre projet collaboratif. Chaque artiste a été invité à réinterpréter le logo classique de Kith dans son propre style. Pouvez-vous nous parler du portrait que vous avez choisi d’associer au logo classique de Kith et de sa signification pour vous ?

MB : C’est un portrait à trois : un homme qui évite deux jeunes femmes dans une forêt. Je préfère utiliser ce genre de tableau car il n’est pas surchargé de références. J’aime toujours équilibrer mon travail ; je ne veux pas toujours y ajouter des éléments superflus. Parfois, je veux simplement qu’il soit visuellement saisissant par lui-même.

GB : C’est vraiment saisissant, c’est pourquoi j’ai essayé de superposer les lettres KITH pour que l’image ressorte vraiment. Même à cette échelle, elle reste très percutante.

MB : Merci, et c’est un peu bête, car je peignais en ayant ce projet en tête. Je n’avais pas vraiment d’idée précise, je voulais juste représenter une forêt. En regardant le tableau, j’ai pensé à Deborah Cox, et c’est de là que m’est venue l’inspiration pour son titre.

GB : Vous faites référence à des noms, des photos, pratiquement à tout dans votre travail.

MB : Oui, c’était vraiment ça. C’était les couleurs et le fait qu’elles soient placées dans une forêt. Quand je regarde des images d’archives, j’aime contempler ces grands moments de l’histoire. Je trouve que cela illustre toute la richesse de l’expérience humaine quotidienne. Il ne se passe pas des choses extraordinaires tous les jours, alors le plus souvent, j’aime me référer à des expériences humaines très banales et naturelles.

GB : C’est ainsi que je perçois votre travail. L’ensemble est très cohérent, car il s’en dégage une certaine simplicité. Même la façon dont vous peignez vos visages ou l’expression des visages dans vos portraits. Tout semble identique, mais l’ensemble est d’une puissance incroyable. Le deuxième projet consistait à sélectionner une autre série d’œuvres que vous souhaitiez mettre en valeur, dans son intégralité, un peu comme une affiche de galerie. J’aime beaucoup cette œuvre, car elle évoque un peu mon enfance : jouer au football, porter des maillots d’Arsenal et des pièces de monnaie. Je pourrais très bien m’imaginer en train de faire ça maintenant, et je sais que nous avons parlé de mon enfance passée à jouer au football et de l’influence de ce sport. Pouvez-vous nous dire ce que cette œuvre représente pour vous ?

MB : C’est une histoire de camaraderie et de solidarité. C’est l’une des rares peintures qui me semble vraiment autobiographique. Je me souviens de cette sensation d’être à l’entraînement, de cette compétitivité. C’est une peinture qui n’a pas grand-chose à montrer, mais elle fait ressurgir tellement de souvenirs et d’émotions quand je la regarde.

GB : Quel a été votre meilleur souvenir de football ? Avez-vous joué au football à l’université ?

MB : Non, c’est une des raisons pour lesquelles je suis allé à St. Johns : je ne voulais pas jouer au foot à la fac. Ce que je préférais dans le foot, c’était les voyages. On partait tous les week-ends ; il y a eu une période où j’étais rarement chez moi. C’est quelque chose qui m’a inspiré quand j’ai essayé de me créer une routine avec la peinture. C’est tellement naturel pour moi. Je jouais au foot, je regardais des matchs et je lisais des articles sur le foot toute la journée. Je me disais que si je n’avais pas ce même attachement à quelque chose, je n’y excellerais jamais vraiment. Ça me représentait tout simplement.

GB : J’aimerais aborder la question de la responsabilité. Dans ma carrière, j’ai pris conscience de ma responsabilité, en tant que créatrice noire, de montrer aux jeunes créateurs émergents qu’il est possible de faire ce que je fais. En observant votre travail, j’ai l’impression que vous avez pleinement assumé cette responsabilité d’artiste noire et de pédagogue. Les histoires que vous racontez sont résolument noires, révélant la beauté et le chaos qui nous entourent. Vous avez même décrit votre travail comme une exploration du pouvoir à travers le portrait, ce que j’ai trouvé extrêmement pertinent. Pensez-vous que nous, créatifs noirs, avons la responsabilité de montrer à la nouvelle génération que nos carrières sont réellement possibles ?

MB : Je ne pense pas que tout le monde doive se sentir responsable, mais personnellement, j'accueille cette responsabilité avec enthousiasme. Ce n'est qu'au début de la vingtaine que j'ai compris que l'art ne se limitait pas aux artefacts anciens ou à l'abstraction. Il n'est pas nécessaire de choisir, et je tiens à en être pleinement consciente. Je vois cela comme une opportunité de rendre l'art plus accessible à ceux qui ne s'y reconnaissent pas forcément. L'art recèle tant d'aspects qui peuvent séduire le commun des mortels. Je n'ai pas le pouvoir de tout changer, mais je peux offrir une perspective différente, étant relativement jeune, noire et assumant pleinement le contenu de mon travail et ma manière de le présenter. J'espère que tout cela sera une source d'inspiration pour autrui, quelle que soit la forme que prendra cette inspiration. J'assume cette responsabilité d'aider la prochaine génération et mes pairs à explorer cette voie.

GB : Je trouve que votre travail témoigne d’une grande conscience de soi, d’une grande sensibilité culturelle et même d’une grande habileté culturelle. Pensez-vous que la connaissance de votre histoire vous aide à créer plus librement ? Et à quel point est-il important pour les personnes noires de connaître leur culture ?

MB : Cela me permet de créer plus librement, car c’est le fondement de mon travail et je n’ai jamais été confronté à un blocage créatif. Je n’ai jamais été à court d’idées, car j’ai toujours des références à exploiter. Il est important pour moi de connaître mon histoire. Je ne peux pas parler au nom de tous, mais comme je l’ai dit dès le début, j’ai commencé à me confronter à la sagesse qui m’a été transmise. Cela m’a aidé à ne pas me contenter de n’importe quelle information et à questionner les aspects de la vie et les raisons de leur représentation.

GB : C’est bien plus profond que ce que l’on apprend dans les manuels scolaires. Je pense qu’en tant qu’artiste, on est aussi un enseignant à travers son travail. Les indices subtils qu’on y distille ont une véritable fonction pédagogique.

MB : Ouais, c'est comme grandir en écoutant du rap. Mes rappeurs préférés m'apprenaient des choses subtilement. Peu importe le sujet ; Wu-Tang qui parle de la nation des dieux, de la Terre et de ses origines à Staten Island. C'est dit avec tellement de classe que ça ne paraît ni pesant ni moralisateur.

GB : En fait, avant même de commencer à peindre, il faut faire des recherches, car on ne peut pas raconter une histoire fausse ou quelque chose qui ne nous ressemble pas. Il y a beaucoup de similitudes entre ce que vous faites et ce que je fais. Je passe la majeure partie de mon temps à faire des recherches et à être sur le terrain. Vous voyez ce que je veux dire ? C’est pour pouvoir raconter une histoire authentique à travers mes créations. Il m’arrive de passer des semaines à faire des recherches sur un sujet, qu’il s’agisse des Looney Tunes, de Nobu ou même de la collaboration avec Martin Luther King Jr. Je dois faire mes devoirs pour pouvoir raconter une histoire authentique à nos clients. Dans votre travail, il est évident que vous consacrez beaucoup de temps à la recherche, car chaque tableau raconte une histoire très authentique. C’est presque comme si vous aviez été témoin de ces événements. Quelle importance accordez-vous à la narration et pouvez-vous décrire le processus, de la phase de recherche à la phase finale ?

MB : Pour moi, le storytelling est primordial. C’est une notion que j’ai apprise en travaillant dans les relations publiques, où il fallait trouver des moyens de positionner la création.

GB : Tu peux donc tout à fait travailler chez Kith.

MB : Ah oui. Raconter des histoires, c’est essentiel pour moi. Si je tombe sur quelque chose qui m’intéresse, je vérifie automatiquement s’il existe un livre ou un documentaire dessus. Ce que je préfère, c’est regarder des archives, parce qu’on est face au passé en temps réel, et on perçoit donc l’atmosphère et les émotions de l’époque sans le recul.

GB : Regarder des vidéos en couleur sur des sujets qui étaient présentés en noir et blanc dans les manuels scolaires, comme le mouvement des droits civiques, me perturbe toujours parce que ce n’est vraiment pas si lointain. C’est fou.

MB : J’aime regarder les dates, car quand on y pense, on se rend compte que c’était hier. Ça a un impact profond, et je crois qu’il se passe tellement de choses dans la vie qu’on peut toujours faire un lien avec ce qui se passe en ce moment. Il y a toujours quelque chose de similaire qui s’est produit dans le passé auquel on peut se référer, et qui peut aussi montrer les choix, ou les erreurs, commis après cet événement, qui ont mené à des changements positifs ou négatifs.

GB : Ensuite, vous vous forgez ces opinions et ces connaissances et vous les transformez en de magnifiques œuvres.

MB : Parfois. J’aime collectionner des images et m’en inspirer, que ce soit pour le décor ou une couleur de base. Souvent, quand je commence à peindre, des histoires me viennent spontanément à l’esprit. Si je me sens perdue ou bloquée, je me demande : « Et si j’ajoutais un élément inspiré d’ailleurs ? » Ce n’est jamais juste une idée surgie d’une source et je me mets à peindre. C’est plutôt un récit visuel qui se construit au fil de l’œuvre.

GB : Je pense qu’il est parfois important, pour un créatif, de prendre du recul. On peut entamer un processus et une autre idée peut surgir.

MB : Je considère tout comme un processus continu. Souvent, j’ai envie de faire un croquis avant de peindre, mais quand l’idée est si forte, je n’arrive même pas à commencer par le croquis. Il faut que je pose quelque chose sur la toile. Je ne veux limiter aucune étape du processus ; je ne peux pas travailler de façon mécanique.

GB : Enfin, je voudrais demander : que peut-on attendre de Marcus Brutus à l’avenir ?

MB : D’autres expositions sont prévues. J’ai une exposition collective à Florence en février et quelques autres dans les mois qui suivront. Par ailleurs, je compte explorer davantage de médiums et d’autres techniques.

GB : Envisagez-vous de vous lancer dans d’autres domaines comme la sculpture ou le mobilier ?

MB : Je ne veux rien faire d'autre à moins que cela ait du sens pour moi. Plus je peins, plus je me rends compte de l'immensité de mon potentiel. J'aime contempler mes œuvres et me dire que je peux encore explorer bien d'autres possibilités. Pour l'instant, je n'expérimente pas dans d'autres médiums ; j'ai encore un long chemin à parcourir en peinture. Plus d'histoires, plus de couleurs, plus de vie.

GB : J’adore ça, et cette authenticité est ce qui vous caractérise le plus, et vous mettez cette authenticité personnelle au service de votre travail. Merci d’avoir passé ce moment avec nous, c’était un entretien passionnant.

MB : Merci.